SITIO
Sitio es un proyecto de exposiciones efímeras y temáticas en La Independencia. Queremos abrir nuestro espacio a prácticas heterogéneas, donde se exploren nuevas posibilidades artísticas y expositivas.
Conozca aquí las y los artistas invitados a Sitio.
Dando click en la imagen, podrá conocer las obras exhibidas.
AHORA EN EXPOSICIÓN
Isabella Celis
Una constelación de semillas de patabá espolvoreadas de achiote se expande por las paredes creando un mapa ficcional de una carretera en el Caquetá; un río de achiote dragado busca seguir su cauce; canoas cósmicas son guiadas por semillas-camino para restablecer el río; senderos concéntricos que son el centro del cosmos balancean los flujos energéticos; árboles-postes conectan los distintos mundos del arriba y el abajo y unas carreteras que se expanden y se adentran en la selva buscan ser resignificadas.
Revisite las exposiciones pasadas
Isabella Celis
16 de julio 2026 – 15 de septiembre 2026
Isabella Celis Campos es artista visual e investigadora colombiana. Su práctica explora saberes y multiespecies entre los Andes y las Amazonías, donde articula
escultura, videoinstalaciones, cerámica, textiles y procesos de mediación con diversas comunidades. Su trabajo dinamiza lecturas poéticas y críticas sobre los
conflictos e interdependencias socioecológicas de los territorios que habita. Es graduada de la Universidad de los Andes (Colombia) y ha presentado su trabajo en
la Joburg Contemporary Art Foundation (Sudáfrica), la Bienal de las Amazonías (Brasil), el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México), Mater
Iniciativa (Perú), Foto Ativa (Brasil), ARTBO (Colombia), entre otros. Recibió la beca Leaky Archive Fellowship (Alemania), la beca TAAS Fellowship y fue nominada y
finalista del Premio Sara Modiano 2024.
Felipe Lozano
14 de mayo 2026 – 14 de julio 2026
Felipe Lozano (1994) es artista visual y docente. Graduado meritorio de la Facultad de Artes ASAB y del Máster en Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid. Su obra transita entre la pintura, el dibujo, el video, la instalación y los medios digitales, para explorar cómo el cuerpo y el deseo se transforman frente a la tecnología. Desde una mirada queer, convierte la intimidad y la fragilidad en territorios de resistencia y contemplación.
Diego Sabogal
26 de febrero 2026 – 5 de mayo 2026
Diego Sabogal construye su obra a partir de técnicas gráficas como la serigrafía y el uso de tipos móviles. En estas piezas, los objetos ocupan un lugar central despojados de su utilidad inmediata, se transforman en analogías de la memoria, el afecto y el deseo. Estos objetos exceden su condición funcional para convertirse en portadores de sentido. Así como en las relaciones humanas, su valor ya no reside en lo que hacen, sino en lo que significan. Memento Amori, a través de un giro al memento mori, invita al espectador a reconocer en estos objetos la posibilidad de que el amor en tanto práctica sostenida y memoria activa, como la obra, sobrevivan a su propia caducidad. El trabajo de Diego también se basa en el dibujo, así como en la proyección de video. Sus proyectos suelen culminar en piezas gráficas y publicaciones, que concibe como un medio para compartir ideas y procesos. Los temas que atraviesan su práctica incluyen las relaciones interpersonales, los ecosistemas, la memoria y la arquitectura. Ha sido ganador de la Beca de Circulación Internacional en Artes Plásticas y Visuales 2023 otorgada por IDARTES, y Ganador en la Maratón de Dibujo Fiesta de Bogotá 2024, organizada por la SCRD. Su obra ha sido expuesta en países como Perú, Estados Unidos, Colombia y Francia.
Cristian Sanabria
27 de noviembre 2025 – 27 de enero 2026
'He de comenzar hablando de mi fascinación por plasmar imágenes, mezclar pigmentos y dibujar; además de moldear y tallar, pero ese es otro cuento. El contacto con la materia abre para mí las puertas a un mundo donde el lenguaje universal de la plástica me permite expresar y desarrollar mis ideas en relación con mi entorno. Es aquí donde aparece el valle de cocora; un lugar que, en mi caso va más allá de un simple paisaje; es una inquietud, un pretexto, un desafío. Hace más de 20 años fui por primera vez, y desde entonces, lo he visitado con frecuencia, evidenciando su transformación y habitando cada uno de sus espacios, desde cualquier cantidad de puntos de vista, en diversas épocas del año y con climas tan variados como variadas eran las emociones cada vez que subía. A veces solo o acompañado, en familia o a lomo de mula, hacia el parque de los nevados, o simplemente una corta caminata para disfrutar del atardecer y esperar la noche. Sin darme cuenta sus colores y su atmósfera impregnaron mi paleta de un hermoso verde cocora. Descubro pues que la diversidad de su clima, en ocasiones causado por fuertes vientos y bruscos cambios de temperatura, me ofrecen la misma variedad en composiciones, las cualidades de su topografía, las verticales de sus palmas de cera y la generosa oferta de verdes.'
Nora Renaud
1 de octubre – 15 de noviembre, 2025
Nora Renaud (1977, Ginebra) es una artista suiza que vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Su práctica explora la interacción entre el espacio analógico y digital, profundizando la tensión entre el arte y la tecnopolítica. En su proyecto, ‘Museo sin Oro’, Renaud recupera, cataloga, archiva y cuestiona el régimen simbólico y de visibilidad, mediante una arqueología propia. Usa dispositivos tangibles autogenerados, para crear artefactos artesanales moldeados por la hipermaterialidad del arte y la semiótica de internet. En su práctica, utiliza el desecho -análogo y digital- para crear una ficción especulativa en diálogo con el Museo del Oro (Bogotá, Colombia), reflexionando sobre su búsqueda de artefactos, los dispositivos museales, el altar y el ritual. En ‘Museo sin Oro’, sus repujados representan las huellas sensibles de la réplica de artefactos encontrados. Son un ejercicio de arqueología del presente y la sociedad de consumo.
Mateo Sierra
31 de julio – 31 de agosto, 2025
La obra de Mateo Sierra (1994, Colombia) propone una exploración de la juventud como un estado emocional persistente que nunca termina de irse del todo, y que, paradójicamente, también duele al quedarse como el eco de un mito que está destinado a desaparecer. Su obra, además, se nutre por la cultura popular y sus múltiples dualidades: lo épico y lo banal, el glamour y la decadencia, lo serio y lo irónico, lo personal y el mito. A través de estas tensiones, Sierra construye un lenguaje visual cargado de símbolos y referencias cruzadas donde el exceso y la fragilidad conviven en un mismo plano.
Cristina Umaña Durán
08 de mayo – 03 de julio, 2025
El trabajo de Cristina Umaña Durán trata sobre su obsesión con el paso del tiempo. La artista explora algunas acciones cíclicas del cuerpo como respirar, tragar y digerir. Estas acciones, efímeras y constantes, son la evidencia de que un cuerpo existe. Umaña observa esos tiempos invisibles y juega con ellos, imaginándose qué pasa por dentro. Así, se encuentran intestinos extremadamente largos que nunca digieren, o estómagos y bolas que se acumulan como bultos de frutas. En su trabajo, el cuerpo es un lugar de colapso silencioso que responde a un tiempo irrefrenable. Por ejemplo: ¿cómo y cuándo se digiere un duelo? Umaña se interesa en buscar maneras de hacer visible y materializar esas temporalidades.
Pedro Villalba Ospina
27 de febrero – 15 abril, 2025
El artista Pedro Villalba Ospina rinde tributo a Cien años de soledad mediante la técnica del grabado europeo, transformando la palabra en imagen a través de 175 obras, de las cuales 16 han sido seleccionadas para ilustrar esta genealogía. Su trabajo convierte la riqueza de la novela en un espacio de experimentación figurativa, donde personajes, paisajes y relatos cobran vida en composiciones evocadoras. Mediante el uso de claroscuro, texturas y transparencias, su trabajo explora la relación entre imagen y literatura, destacando la precisión del dibujo y la calidad de la impresión.
Jose Mejía
03 de octubre – 02 noviembre, 2024
En esta exhibición, Jose Mejía (Colombia, 1996) explora las conexiones entre el dibujo y la cerámica, articulando un diálogo entre la alquimia, el hermetismo y el mundo natural. A través de su obra, el artista retoma símbolos sagrados presentes en la naturaleza y los reinterpreta desde el material primario. Las formas de la flora y fauna locales se convierten en un medio para cuestionar y redescubrir las fuerzas simbólicas que rigen el mundo, utilizando tanto las técnicas del dibujo como las de la cerámica para reflejar estos conceptos universales.
Juan Franco
09 de mayo – 13 de junio, 2024
Esta es una serie de pinturas que se presenta como una ensoñación, son animales y criaturas que nos visitan en sueños, son símbolos de nuestro subconsciente, mitos y amuletos. Visitantes nocturnos que nos cuentan historias de nuestra psique colectiva, símbolos tan universales como únicos. Son protectores/guardianes de eso que se esconde en lo más profundo de nuestro ser. Son efigies, tótems e invocaciones chamánicas. Son el sueño y el mito que nunca acaban, la sombra que proyectamos cada noche al dormir.
Sophia Moreno
22 de febrero – 21 de marzo, 2024
En su trabajo, la artista colombiana Sophia Moreno (Colombia, 1991) nos presenta las formas de un cuerpo que se convierte lentamente en paisaje. En sus contorsiones, movimientos y flexiones, se divisan volúmenes corporales sugestivos a una lectura geológica. Los cuerpos de Sophia Moreno se sostienen con fuerza, o se dejan caer sutilmente. Sus movimientos, como las montañas, son lentos.
